humani nil a me alienum puto

« Mahmoud, Marcel et moi », tel était l’intitulé de la soirée dominicale marquant le retour quasi-annuel de Marcel Khalifé, au oud et chant. Le « moi » étant le fils de la star libanaise, Bachar Mar-Khalifé (piano, chant, conception), tandis que l’autre fils, Sary Khalifé, est au violoncelle. Pour compléter le groupe : Nenad Gajin (guitare électrique), Anthony Millet (accordéon), Aleksander Angelov (contrebasse) et Dogan Poyraz (percussions) ; Pologne, Hongie, Serbie, France…

Le « Mahmoud » en question est Mahmoud Darwich, le poète palestinien qui a écrit les textes des principaux hits — et dont le WE entier était dédié à la philharmonie. Textes vidéoprojetés, par dessus des animations bien faites. La construction des différents morceaux est généralement similaire : d’abord une longue montée purement instrumentale, puis le chanter, en ajoutant toujours du volume, crescendo, culminant alors dans une sorte d’orgasme, avant une redescente assez rapide.

Il faut voir le public, à fond. Toujours bien présent pour ce soirées, connaissant par coeur les chansons dans les multiples rappels (faisant passer le concert de 1h15 à quasiment deux heures). Mon binôme attend Rita (et le fusil) (comme la dernière fois ?), et ça chante là encore. Le groupe est plusieurs fois rappelé, d’abord avec du succès, mais à un moment, il faut bien arrêter. Public déchainé.

Marcel Khalifé le communiste a réussi à mondialiser une musique où il excelle, sans y avoir apporté grand chose de bien original diront les spécialistes (si ce n’est quelques hérésies pianistiques, rajouteront les mêmes grincheux ?), comme tant d’autres restés dans l’anonymat. Il y a évidemment une sorte de contradiction qu’il ne lui est pas propre — les rockeurs anarchistes qui finissent dans l’industrie musicale et n’ont pas le bon goût de faire une overdose sont de cette eau-là. Il n’empêche qu’en prêchant ce style musical typique au quatre coins du monde, amenant la joie dans les coeurs d’une diaspora très probablement fantasmé (le mélange palestinien n’y étant probablement pas pour rien), le rôle du musicien est bien tenu. Il serait dommage de bouder son plaisir.

Qui a remarqué que l’Opéra Comique est domicilié au 1 Place Boieldieu ? De François-Adrien Boieldieu.

Avec son 26e opéra-comique, Boieldieu enthousiasma Rossini : « Vous avez accompli un tour de force, êtes resté spirituel et vrai, animé et dramatique », Weber : « Depuis Les Noces de Figaro, on n’a pas écrit un opéra-comique de la valeur de celui-ci » et Wagner : « C’est la plus belle qualité des Français qui s’exprime dans cet opéra ». La Dame blanche fut le premier titre de l’Opéra Comique à atteindre 1000 représentations et connut un succès mondial et durable, jusqu’à inspirer la fin du Trésor de Rackham le Rouge à Hergé.

Et puis : plouf. Comme toutes ces rues qui mènent à l’opéra Garnier, décoré de bustes d’illustres inconnus. D’ailleurs, le livret de « La Dame blanche » est d’Eugène Scribe, une autre célébrité de l’époque quasiment disparu de l’histoire. En 1825, c’était une tuerie, donc. Quid en 2020 ? Alors que je dégustais quelques petits fours gratuits philanthropiques à la philharmonie, après quelque présentation de la prochaine saison de l’orchestre de Paris, un homme charmant avec qui j’ai lié discussion me recommanda chaudement ce revival, dont je m’aperçus qu’il était justement programmé sur la soirée où mon binôme usuel d’opéra avait récupéré une place. Pourquoi ne pas regarder s’il en reste, dès lors ? Pas grand chose, mais de quoi faire pour peu de pécule : tardant trop pour Internet, un coup de fil m’assura d’une place a priori pas trop mauvaise, que je n’eue pas même à rejoindre physiquement…

Une très bonne position pour admirer une mise en scène de facture classique par Pauline Bureau, en vieille fausse pierre, en tartan (comme les ouvreuses) (dont une mini super mignonne, premier balcon cour), qu’un ponte universitaire qualifia à l’entracte de « provinciale » (bingo : coprod avec Limoges, comme quoi j’aurais peut-être pu l’attraper là-bas), et en tout cas d’âgé. Bon, au moins, on évite les nazis (quoique, on y a échappé de peu avec les simili-juges en simili-cuir noir — des simili-nazis ?) et la vidéo a apporté une originalité certainement absente de l’original en 1825.

Le problème est que le livret oscille entre le tarte et tartan, ou autrement dit, c’est une dame blanche cousue de fil blanc. On y trouve tout le bingo de l’opéra d’époque : masque, enfant perdu, tuteur tortionnaire de jeune fille, amour contrits et multiples des mêmes personnes sous différentes identités, vente de château, paysans aimables folklorisés, etc. Et puis l’intrigue qui se veut compliquée alors qu’elle ne l’est point des masses. Au bout de 1h50, au moment de la fin de la première partie, on se demande en choeur : « quel est ce mystère ? » Une partie de la salle n’attendra pas les dernières quarante minutes pour le savoir. On les devine, depuis, transis d’interrogations qui les poursuivront jusqu’à la tombe.

Si la direction musicale de Julien Leroy de l’Orchestre National d’Île-de-France est solide, et la partition plaisante, on n’en garde guère de souvenirs rapidement. Les chanteurs sont aussi tous très bons : d’abord Philippe Talbot qui tient le premier rôle de Georges Brown, brave soldat ; et Elsa Benoit en Anna, qui cache bien son jeu, et doit souffrir de l’intendance de Jérôme Boutillier (Gaveston). Sophie Marin-Degor (Jenny) forme avec Dickson (Yann Beuron) un couple de fermier accueillant et fan de soldats. Complètent la distribution Aude Extrémo (Marguerite), Yoann Dubruque (Mac-Irton) et le choeur Les éléments. Tout cela est bien et bon, historiquement intéressant, à voir sans doute, mais on comprend aussi assez facilement pourquoi ça a sédimenté par dessus.

Cela faisait très longtemps que je n’avais vu de femme sans ombre. Die Frau ohne Schatten, du duo bénéfique Richard Strauss/Hofmannsthal, c’est un mix entre La flûte (parcours initiatique), Faust au féminin (le contrat avec les petites lignes damnées) et la gestation d’ombre pour autrui. Un livret métaphorique un peu dingue, et une composition superbe. Mais cette fois sans la mise en scène de Wilson, seulement quelques disposition de chanteurs dans la salle, de temps à autre, pour donner du relief.

Le TCE, où tous les ninjas de la création ont convergé pour l’occasion, et où Laurent, ne pouvant arriver pour 18h30, a pu upgrader nos places (avec mon binôme baroque en mode découverte et absolument ravie) pour un premier rang de première loge dans le tournant pair (j’en ai profité pour donner ma propre place à une revenante opportune, Léa !), a programmé une distribution sans faille. L’Impératrice par Elza van den Heever, l’Empereur par Stephen Gould et Michaela Schuster comme Nourrice ; Lise Lindstrom pour la Teinturière et Michael Volle pour Barak, son mari. Et Katrien Baerts, la voix du faucon. Les renforts (Bror Magnus Tødenes - L’apparition d’un jeune homme ; Andreas Conrad - Le Bossu ; Michael Wilmering - Le Borgne ; Thomas Oliemans - Le Messager de Keikobad ; Nathan Berg - Le Manchot) sont eux aussi impeccable, tout comme le Rotterdam Symphony Chorus agrégé de la Maîtrise de Radio France.

La baguette de Yannick Nézet-Séguin (qui est vraiment minuscule, quand il embrasse le cast féminin il est à hauteur de seins !) est à la hauteur de sa réputation. Je ne sais pas si j’avais déjà entendu le Rotterdams Philharmonisch Orkest, mais force est de constater que la partition de Strauss a été sublimée. Une soirée très attendue et superbe comme espérée.

Je n’avais initialement pas percuté que j’avais déjà eu l’occasion d’entendre Iveta Apkalna, accompagnant un orchestre, et non en solo. La titulaire estonienne de l’orgue de la philhar de Hambourg était de retour un samedi soir à la philhar de Paris. Une, voire deux fois par saison, l’orgue est pleinement exploité. Malgré un programme Bach-Glass, la salle est largement moins remplie qu’avec Latry derrière la console, mais ce n’est pas mal du tout.

L’alternance commence par Johann Sebastian Bach : Fantaisie BWV 572. Puis Philip Glass, Music in Contrary Motion. Encore Bach, Passacaille et Fugue BWV 582 (qui est en train de devenir ma préférée, ai-je l’impression). Encore Glass, Dance no 4. Tout cela est excellent, et comme je n’ai rien immédiatement noté de mes impressions, on se reposera sur la souris, exceptionnellement venue par l’odeur du programme alléchée.

Iveta, c’est une robe dos nu en première partie, et une sorte de queue de pie stylisée sur-mesure extraordinaire — qu’elle avait déjà portée la fois précédente — post-entracte. Et puis elle a toujours une coiffure de dingue, en mode Princesse Leia. Leia Organa. Iveta Organa ?

On reprend : Bach, Toccata, Adagio et Fugue BWV 564 ; Glass, Satyagraha. Act III – Conclusion (arrangement de Michael Riesman, et c’est beaucoup moins répétitif que d’habitude !) ; et le méga-hit de Bach, Toccata et Fugue BWV 565. En bis, un Bach qui fait l’entre-deux (et qui annonce de l’orgue à la Vierne ou Lefébure-Wely, je trouve) : cantate BWV 208 « Schafe konnen sicher wieder ». Sehr sehr schöne!!